Home-theater-designers
Epoca de aur a animației ne-a adus o comoară de clasici prețuși, mulți din mâna celor nouă bărbați bătrâni ai lui Disney.
Cum a revoluționat acest colectiv de artiști o întreagă industrie? Mulți vă vor spune că totul a început cu un mouse, dar știm mai bine. Adevăratul lor secret a fost un manifest creativ care descrie cele 12 ingrediente care fac o animație excelentă.
Aceste 12 principii atemporale sunt la fel de relevante astăzi ca și la momentul concepției lor.
1. Squash și Stretch
Animatorii nu au nicio modalitate de a transmite proprietățile fizice ale unui personaj sau obiect, altfel decât prin indicii vizuale, pe ecran. Mulți animatori vă vor spune că o animație bună are mai puțin de-a face cu designul și manierismele personajelor dvs. și mai mult cu cât de reactive sunt personalitățile și aparențele lor la ceea ce se întâmplă în jurul lor.
Squash și întindeți ambele se leagă de tendința animației de a „desena” realitatea. Mișcarea „naturală” a mingii care sări de pe sol este exagerată de „reacția excesivă” a mingii la barieră.
2. Anticipare
Animezi o scenă care are loc la o piscină publică. Protagonistul tău, un gimnazial blând, este pe punctul de a sări de la scufundări pentru prima dată. Șansele sunt, acest copil timid nu este pe cale să facă doar o bătaie fără să se pregătească emoțional mai întâi. Toate aceste considerații anticipative adaugă o bogăție distinctă lumii voastre.
Personajele tale sunt acum, brusc, mult mai mult decât automatele generice care populează scena. Ei știu lucruri. Simt lucruri. Evită durerea și gravitează spre ceea ce îi încântă.
Acest principiu, în multe privințe, are mult mai mult de-a face cu abilitatea animatorului ca povestitor decât orice altceva. Cheia anticipării este într-adevăr în modul în care este scrisă acțiunea.
3. Punerea în scenă
Mise-en-scène este un termen din lumea filmului live-action. Se referă la orchestrarea elementelor de pe ecran și la modul în care autorul folosește acest spațiu pentru a-și transmite punctul de vedere. Aceeași considerație continuă spiritual aici.
Crearea geografică a cadrului cu scopul vă permite să ghidați ochiul privitorului, păstrându-i atenția exact acolo unde doriți. Totul trebuie să fie exprimat în mod clar, deliberat și într-un mod pe care îl vor putea păstra pentru mai târziu.
4. Pose to Pose vs. Animation Straight Ahead
Alegerea dintre animația directă și animarea poză pentru a pune va fi una dintre primele decizii tehnice pe care va trebui să le luați înainte de a începe să vă dați seama. Această dihotomie reprezintă două școli de gândire distincte.
Artistul fie își prezintă cursul în avans, destinație după destinație, fie pur și simplu începe de la primul pătrat, explorând acțiunea pe care dorește să o pună pe hârtie fără restricții.
Animație Pose to Pose
Să presupunem că animați o femeie care atârnă rufele pe o coardă, de exemplu. În realitate, nu există delimitări îngrijite și ordonate care descompun această secvență în porțiuni.
Un animator care aplică o abordare de poziționare în poziție poate începe cu un cadru al femeii ghemuit în jos pentru a ridica o cămașă. Poziția următoare poate fi stând în picioare cu cămașa întinsă în fața ei.
Pozele sunt adăugate până când toată rufele au fost îngrijite și ea s-a retras pentru după-amiază. Ați desenat doar cinci sau șase cadre, dar scena a fost deja creată într-o oarecare măsură.
Animația Pose to pose este o modalitate excelentă de a lucra dacă sunteți cineva căruia îi place să știe ce urmează înainte de a pleca. Aceste câteva cadre sunt cunoscute sub numele de cadre cheie. În mod tradițional, aceste cadre ar fi desenate de cei mai experimentați membri ai unei echipe de animație.
Odată ce întreaga producție a fost trasată, asistenții la nivel junior ar completa spațiile libere dintre fiecare cadru cheie pentru a lega aceste repere împreună cu acțiunea.
Animație directă
Aducerea personajului tău din punctul A în punctul B drept înainte îți va da uneori idei noi, neașteptate. Pe măsură ce desenați, scânteile de creativitate pot revitaliza acțiunea care se poate simți conservată sau mecanică dacă este atrasă pentru a pune.
Ești liber să improvizezi și să iei o turnură nouă sau două pe măsură ce progresezi; nu trebuie să vă faceți griji cu privire la întâlnirea cu ceva specific cu 20 sau 30 de cadre. Dacă animați la muzică, puteți marca fiecare cadru pe care cade ritmul melodiei pentru a coordona animația și a-i conferi o structură ritmică.
software iso-to-usb
Legate de: Cele mai bune aplicații de desen și pictură pentru Android
5. Acțiune suprapusă și acțiune finală
Când oamenii se mișcă în mod natural, greutatea membrelor lor și cât de slab sunt asociate cu trunchiul corpului lor vor fi amândouă evidente. Imitarea acestui efect are mai puțin de-a face cu crearea acțiunii și mai mult de modul în care subiectul tău reacționează fizic după ce acțiunea a intervenit.
Fără aceste înfloriri adăugate, obiectele sau personajele pe care le desenați pot părea rigide și lipsite de viață. Dacă părul unei femei frumoase este mai deschis decât aerul, acesta ar trebui să plutească în jurul ei în timp ce se mișcă în loc să atârne ca spaghetele umede. Sau, mai rău: să nu se miște deloc în timp ce se ocupă elegant peste cameră.
6. Timpul
În calitate de povestitor, dezvoltarea unui sentiment de sincronizare eficientă nu numai că va face munca să arate și să se simtă mai bine - va face povestea dvs. mai coerentă, mai impactantă și probabil mult mai ușor de digerat pentru publicul dvs.
Această categorie poate fi interpretată pe larg. Atributele fizice ale fiecărui element de pe ecran ar trebui să fie caracterizate de momentul mișcării sale.
De asemenea, important de luat în considerare este cât de armonizat este sentimentul dvs. de sincronizare dramatică sau comică. Nu puteți oferi publicului dvs. mai mult decât pot mesteca simultan. Dimpotrivă, doriți să evitați să-i plictisiți în supunere cu un cadru lipsit de lumină sau aer mort. Echilibrul este cheia. Angajați-i fără a-i copleși sau confunda.
7. Arcuirea
Imaginați-vă un copil aruncând o minge direct în aer. Pe măsură ce mingea cade înapoi, ea cade înainte, în funcție de direcția în care a fost aruncată.
După ce mingea a aterizat, pășind înapoi și urmărindu-și calea prin aer va dezvălui o curbă inversă. Obiectele legate de gravitație se deplasează în arcuri ca acestea ori de câte ori mișcarea lor provoacă legile naturii. Păstrarea acestei tendințe în minte vă va permite să planificați modele de mișcare care se vând.
8. Acțiune secundară
Lexicul animatorului este plin de indicii subconștiente subtile. Când fotografiați într-un context de acțiune live, rochia doamnei dvs. de vârf se leagănă în jurul vițeilor în timp ce se mișcă. Această acțiune secundară este interesantă pentru spectator. Păstrează lucrurile în mișcare.
Acțiunea secundară poate include, de asemenea, indicii emoționale. Personajul tău cântărește cu degetele mari în timp ce încearcă să explice unei situații neobișnuite unui prieten. Emotează în timp ce vorbesc; fiecare acțiune secundară ar trebui să fie un indicator al stării interne a personajului.
Related: Cele mai bune tablete de desen pentru artiștii digitali
9. Slow In și Slow Out
Acest principiu se referă la tendința istorică a animatorilor de a-și „reuni” munca în jurul fiecărui cadru cheie prestabilit, dacă se utilizează o astfel de abordare. În esență, sunt trase mai multe cadre în jurul acestor cadre cheie decât sunt trase mai departe între ele, ceea ce face două lucruri pentru public.
În primul rând, subliniază vizual fiecare cadru cheie, întrucât se petrece mai mult timp trecând în și din aceste ipostaze cheie decât se petrece tranziția între ele. În al doilea rând, reduce timpul în care publicul este lăsat în așteptare între aceste momente mult mai semnificative din timp.
Ceea ce oamenii doresc cu adevărat să vadă sunt toate lucrurile ciudate care punctează aceste pauze scurte petrecute călătorind de la scenă la scenă.
Windows 10 USB continuă să se deconecteze și să se reconecteze
10. Desen solid
Acest lucru va fi greu de auzit pentru avangarda dintre noi, dar abilitatea dvs. tehnică ca artist va juca un rol semnificativ în cât de eficient sunteți capabili să transmiteți acțiune pe ecran.
Perfecționarea în perspectivă, scurtarea și chiar principiile geometriei de bază păstrează fiecare corp diegetic ca o rocă solidă și complet consecventă cadru cu cadru (atunci când personajele tale nu sunt prea ocupate să strice și să se întindă, desigur).
Related: Instrumente și servicii esențiale pentru ilustratori
11. Exagerare
De ce le plac oamenilor desenele animate? Ce face ca mediul să fie mai potrivit pentru anumite tipuri de povești decât, să zicem, live-action sau chiar un spectacol?
Ne îndreptăm către lumea animației atunci când viziunea noastră depășește ceea ce se poate face fizic. Când trebuie să desenăm totul din scenă de jos în sus, ajungem cu multă autoritate asupra modului în care totul ajunge să pară, să simtă și să se joace.
12. Apel
În calitate de devotați dur ai Școlii de gândire Andrew Loomis, credem cu adevărat că această parte vine de la voi. Nivelul dvs. de calificare, experiența personală și pasiunile în viață vor juca toate un rol vital în modul în care pâinea iese din cuptor, ca să spunem așa.
Apelul poate fi dificil de cuantificat; unii susțin că nu puteți planifica nimic. Cei mai mulți dintre noi ne aruncăm doar la perete până când ceva începe să se lipească; nu există rușine în acest proces.
Arta ta vă va surprinde și vă va încânta după ce ați desenat de ceva timp. Tot ce trebuie să faci este să încerci.
Animație pentru începători: Unde mergem de aici?
Ei spun că fiecare artist creează 10.000 de desene groaznice înainte de a începe cu adevărat să facă cele mai bune lucrări. Filozofia noastră: cu cât începeți mai repede, cu atât veți ajunge mai bine.
Cele 12 puncte precedente sunt toate un loc minunat pentru un începător. Totuși, singura modalitate de a deveni un artist cu adevărat grozav este de a practica cu seriozitate și din toată inima în fiecare zi.
Un doodle dimineața? O sesiune de schițe după școală sau serviciu? Odată ce ați prins-o, poate fi dificil să puneți creionul înapoi.
Acțiune Acțiune Tweet E-mail Cum să începeți o carieră în proiectarea mișcăriiV-a interesat să deveniți designer de mișcare? Aflați tot ce trebuie să știți pentru a începe în domeniu.
Citiți în continuare Subiecte asemănătoare- Creativ
- Tehnologie explicată
- Animatie pe calculator
- Arta digitala
- Desene animate
Emma Garofalo este o scriitoare cu sediul în prezent în Pittsburgh, Pennsylvania. Când nu se chinuie la biroul ei pentru a avea nevoie de o zi de mâine mai bună, ea poate fi de obicei găsită în spatele camerei sau în bucătărie. Aclamat critic. Disprețuit universal.
Mai multe de la Emma GarofaloAboneaza-te la newsletter-ul nostru
Alăturați-vă newsletter-ului pentru sfaturi tehnice, recenzii, cărți electronice gratuite și oferte exclusive!
Faceți clic aici pentru a vă abona